Enrique Castellón Vargas, conocido artísticamente como El Príncipe Gitano, nació en Valencia el año 1928 (otras biografías citan como fecha 1932). Cantaor, bailaor y actor gitano.
Era hijo de gitanos dedicados a la venta ambulante y al trato de ganados. El sobrenombre del el Príncipe según nos cuenta el mismo protagonista, le vino de una señora que se encontró su madre cuando lo paseaba siendo un bebe todavía en un carricoche, la señora se sorprendió al verle tan guapo con lo ojos azules, comentando parece un príncipe, y desde entonces se quedo con ese nombre de El Príncipe Gitano. Se dedicó lo mismo al cante flamenco que a la canción aflamencada. Dominó una buena gama de estilos, siendo de la zambra y las rumbas un gran especialista, así como del cancionero popular.
De joven quiso ser torero y lidió algunas novilladas, pero se tuvo que retirar porque le daban miedo los toros. Protagonizó también algunas películas y su mejor interpretación la hizo en la película "Brindis al cielo", en donde representaba el papel de un joven y apuesto torero, que además cantaba muy bien. Siendo muy joven actuó en innumerables espectáculos acompañado de otros muchos maestros del cante, recorriendo España y parte de muchos países extranjeros, siendo muy bien acogido en todos los países. Formó grandes compañías con las que se presentó en el Circo Price de Madrid o en el Teatro Calderón de Madrid. En este último lo hizo acompañado de su hermana Dolores Vargas (La Terremoto).
Perteneció a la Compañía de Carmen Morell y Pepe Blanco, hasta que a los 21 años, allá por el año 1949, ya formaba su propio espectáculo “ Coplas y Toros” con canciones que le proporcionaron Ochaíta, Valerio y Solano, y en el que cantaba sus canciones más famosas, El cortijo de los mimbrales y Tani que mi Tani. Dos años más tarde, ya reconocida su popularidad, presenta a su hermana Dolores Vargas (La Terremoto) en el espectáculo "Ronda ya tiene torero", en el que también hacía su aparición como galán cómico Tony Leblanc. Hay que reconocer que en sus Compañías dio bastantes oportunidades a jóvenes valores, que con el tiempo fueron grandes figuras, como es el caso de Manolo Escobar, Mikaela o la mismísima Rocío Jurado. Artista de mucha elegancia en el vestir que cada vez que salía al escenario cambiaba de trajes en cada intervalo. El Príncipe Gitano falleció el 22 de abril de 2020 en Mandayona (Guadalajara) por causa del virus Covid-19.
DISCOGRAFÍA seleccionada,
EP's y Singles:
Resto de los ÁLBUMES seleccionados:
Fuente: elartedevivirelflamenco.com Fotografía: Amalarico Román Martínez/El Desván de Rafael Castillejo Carátulas discos: discogs.com
José Monge Cruz, conocido artísticamente como Camarón de la Isla o simplemente Camarón, nació el 5 de diciembre de 1950 en San Fernando (Cádiz). Cantaor español renovador del cante flamenco.
Séptimo de los ocho hijos de un herrero gitano, Luis Monje, que murió siendo él un niño, y de una canastera, Juana. Su apodo, "Camarón", le vino dado de la mano de un tío suyo, quien pensaba que su cabello rubio y su piel clara no encajaba con el estereotipo de un muchacho calé. Sintió desde niño la afición por el mundo de los toros, e incluso intentó iniciarse en el Arte de Cúchares, pero vio que no era lo suyo y se inclinó por el cante, algo habitual en su familia (su padre entonaba bien), donde se veneraban figuras como La Perla de Cádiz o El Chaqueta. De hecho, se le consideró un niño prodigio, ya que su cante causaba la admiración de todo aquel que le escuchara. Con siete años cantaba en los trenes y autocares que iban de la isla de San Fernando a Chiclana o Jerez, junto a su compañero Rancapino, y sus dotes flamencas se afianzaron en las innumerables fiestas flamencas que su familia solía preparar. Su paso por las escuelas fue muy breve, pues muy pronto comenzó a trabajar en la herrería de su padre, a la vez que cantaba para ganar algún dinero con el que contribuir a la exigua economía familiar. Uno de los locales que más frecuentó fue la Venta Vargas, donde Manolo Caracol, reputado genio del cante, reconoció su talento, e incluso le animó para que se presentara, en 1962, al concurso de cante flamenco del Festival de Montilla, el cual ganó, con lo que se inició su vida como cantante profesional, dejando definitivamente atrás su infancia. De hecho, su madre falsificó un papel, mintiendo en su edad, para que pudiera desplazarse a la Feria de Sevilla de 1963 cuando tenía tan sólo doce años; allí fue escuchado y alabado por el mismísimo Mairena.
Su fama, a pesar de la edad, era ya incuestionable. Trabajó por toda Andalucía, sobre todo en Cádiz y en la Taberna Gitana de Málaga, y participó en uno de los eventos más importantes del universo flamenco, el Festival de Mairena. Cuando contaba sólo con dieciséis años, la compañía de Miguel de los Reyes le llevó a Madrid, donde durante mucho tiempo estuvo contratado en un tablao llamado Torres Bermejas. Muchas noches, de madrugada, Camarón continuaba cantando en El Palomar, una antigua venta en las afueras de Madrid, dedicado, pues, en cuerpo y alma a su profesión. Su fama se acrecentó, por lo que de los tablaos pasó a los festivales, donde su arte pudo ser mejor apreciado por sus seguidores, que ya comenzaban a formar legión. Sería en Madrid donde conociera al algecireño Paco de Lucía, con quien compartiera una buena parte de su carrera artística, grabando un total de ocho discos de larga duración entre 1968 y 1977. Con él grabaría su primer LP, Al verte las flores lloran, en 1968, un trabajo que marca la tónica de sus primeras grabaciones, en las que Camarón pone su máximo empeño en seguir la tradición del cante clásico más ortodoxo, muy respetuoso con la tradición.
A partir de este primer lanzamiento se sucedieron los álbumes: Son tus ojos dos estrellas (1971), Canastera (1972), Caminito de Totana (1973), Soy caminante (1974), Rosamaría (1976), Arte y majestad (1978). El espíritu inquieto y su amistad con los jóvenes valores gitanos de la época hicieron que Camarón buscara otros horizontes para su arte. Precisamente, sería en 1979 cuando realizara la primera grabación sin Paco de Lucía, el álbum La leyenda del tiempo, obra clave para entender el particular universo creativo de Camarón. El disco, el primero que grabara con su amigo Tomatito a la guitarra, fue una auténtica revolución en el mundo del cante, y la primera toma de contacto con el particular calvario que Camarón hubo de sufrir durante el resto de su carrera por las voces críticas que le censuraban que había "traicionado" la ortodoxia y la tradición que tan ponderada había sido antaño por parte de sus mentores. Se cuenta que hubo seguidores que, tras escuchar el disco, acudían a las tiendas para devolverlo porque "ése no era Camarón". La grabación, producida por Ricardo Pachón, quien ya apostara por artistas tan transgresores como los hermanos Amador (Pata Negra) o Kiko Veneno, se alejaba, bien es cierto, de la ortodoxia de guitarra, palmas y coros para introducir elementos lejanos a los palos clásicos del cante, con concesiones al rock, el jazz y las tradiciones orientales, aunque no dejara de ser un producto netamente flamenco.
El disco incluyó instrumentos hasta ese momento desconocidos en un disco de cantaores: bajo, batería, percusión, piano Fender, teclados, guitarra eléctrica, cítara..., aunque Camarón canta en él con el mismo sentimiento que en sus trabajos anteriores. El de San Fernando tenía la idea de acercar el cante a un público poco acostumbrado al flamenco convencional, introduciendo instrumentaciones e innovaciones estilísticas que sonaran "mejor" para el público joven, con la intención de que fuera un arte más creativo. Son famosas, en este sentido, las ideas que expresara en una entrevista: "El flamenco está hecho, pero sobre lo hecho se puede seguir creando sin engañar, sin mistificar. ¿Por qué tenemos que hacer todos la soleá exactamente igual, como si fuéramos un disco? Si yo puedo añadirle algo propio, enriquecerla, sin desvirtuar lo que es el cante por soleá, ¿por qué no voy a hacerlo?". El cambio experimentado fue tan profundo que incluso cambió su imagen; abandonó, así, el soniquete "De la Isla" en su nombre, presentó su disco con una portada diferente a las anteriores, más "moderna", y posteriormente lució una barba que ya le acompañó para siempre.
A pesar del significado y la enorme influencia que tuvo este disco, el esmero con que fue grabado y las expectativas que despertó entre sus creadores, fue un fracaso total de ventas (apenas se llegaron a las seis mil copias). Aún así, el disco supuso un cambio radical en la escena flamenca; sin saberlo, Camarón abrió una puerta que revolucionó el arte desde dentro y que dio pie al movimiento de "los jóvenes flamencos" (a él le gustaba llamarlo "flamenco rock gitano"), que tantos frutos ha dado y que tantas opciones ha concedido al mestizaje musical entre diversas culturas y modos de entender la música gitana. No fue extraño que Camarón iniciara otras colaboraciones con artistas alejados del flamenco, como los interpretes de jazz Jorge Pardo o Charles Benavent, e incluso existen algunas grabaciones en las que hace incursiones en el rock, como en algunas del grupo Alameda o incluso en solitario. A partir de ese momento Camarón presentó dos caras: una más comercial, la que ofrecía en sus grabaciones, que poco a poco iban siendo conocidas en gran parte del mundo; y otra más gitana y sobria, la de sus actuaciones en directo. Así, mientras sus discos eran consumidos por un público más abierto y heterodoxo, sus apariciones en los festivales se convertían en auténticas fiestas en las que el público, en su mayoría gitano, asistía con auténtica devoción y fervor casi místico.
El fenómeno fue en aumento, y en aquellos festivales donde aparecía, como en el prestigioso Cante de las Minas de la Unión de 1983, sus seguidores, que eran ya multitud, asistían embobados al espectáculo de un Camarón entregado hasta la extenuación en su cante, aunque una vez acabada su actuación (generalmente terminada con un delirio de aplausos y vítores, y un cantaor abandonando el escenario en plena catarsis), los espectadores se iban ruidosamente de la sala, sin respetar al siguiente artista. Nunca en la historia del cante se habían dado tales manifestaciones masivas, y ése era un argumento incontestable para los que criticaban su arte (la mayoría del público era gitano, cuyo instinto musical es, a la postre, el juez final y supremo del flamenco); fue, en definitiva, un fenómeno social que, no obstante, no enturbió la enorme calidad artística de su carrera. Fue también la época en la que Camarón comenzó a notar los efectos del consumo de drogas. El cantaor, de hecho, soportó su adicción hasta que tuvo que someterse, a finales de la década de los ochenta, a una cura de desintoxicación por el consumo habitual de cocaína y heroína (aunque nunca lo hizo por vía intravenosa).
Mientras tanto y, en el período de tiempo de los años 1979 a 1986, habían sido publicados nuevos discos de Camarón y éstos fueron: Calle Real (1983), Viviré (1984) y Te lo dice Camarón (1986). Precisamente en este año y concretamente el 17 de octubre de 1986, Camarón sufrió un accidente de tráfico, resultando gravemente herido al chocar su vehículo frontalmente con otros dos turismos, cuyos conductores murieron en el acto, por el que fue condenado a un año de prisión menor por un delito de imprudencia temeraria (aunque no fue encarcelado, ya que no tenía antecedentes) y su detención, el 27 de agosto de 1988 en San Fernando, por insultar e intentar agredir a un agente municipal que le recriminó el mal estacionamiento de su vehículo (fue encarcelado por espacio de dos días). Todo ello contribuyó a crear una "leyenda negra" alrededor de su persona, lo que ocasionó que surgieran rumores y comentarios malintencionados que llegaron incluso a propagar la falacia de que el cantaor había contraído el SIDA.
En 1989, entre marzo y septiembre, grabó en Sevilla y en Londres el disco Soy gitano, en el que colaboraron la Royal Philarmonic Orchestra y Ana Belén (cantando a dúo una canción compuesta por Juan Luis Guerra, "Amor de conuco"). En 1990 salió a la venta el álbum Autorretrato, un álbum recopilatorio conteniendo 19 canciones de lo que se creyó por su discográfica, Philips, era lo más selecto de su repertorio y personalidad. Cuando grababa un nuevo álbum con Paco de Lucía, en septiembre de 1991, su representante durante 20 años y que sólo contrataba sus recitales, Jesús Antonio Pulpón, anunció que Camarón actuaría en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona, pero meses después, en febrero de 1992, la organización lo excluyó de dicha ceremonia, si bien incluyó dos actuaciones suyas ese verano dentro del Festival de las Artes de la Olimpiada Cultural (las cuales nunca llegaron a producirse). Su última actuación pública tuvo lugar el 26 de enero de 1992, en el colegio mayor San Juan Evangelista de Madrid. A finales de marzo de ese mismo año viajó hasta Barcelona para grabar un vídeo de promoción del Pabellón Español en la Expo' 92 de Sevilla, y aprovechó este viaje para someterse a unas pruebas por una afección pulmonar, por lo que permaneció ingresado cinco días en la clínica Quirón.
Pese a mantenerse en un principio en secreto el resultado de las pruebas médicas, el 8 de abril fue trasladado a la clínica Mayo de Rochester (Minnesota, EE.UU.), para someterse a mayores pruebas ante un posible diagnóstico de cáncer de pulmón. A principios de mayo de 1992 regresó a España para continuar con un tratamiento de reposo, que duró tres meses. El 12 de mayo de 1992 anunció la publicación del que sería su último álbum, Potro de rabia y miel, en colaboración con Paco de Lucía, que además de tocar dirigió y realizó la producción del disco, y de Miquel Barceló, que realizó el dibujo que sirvió de portada. Para la VII Bienal de Arte Flamenco de Sevilla, que se iba a celebrar en el mes de septiembre de 1992, estaba previsto que el espectáculo inaugural fuera una mezcla de cante y toreo, que iba a correr a cargo de Camarón y Curro Romero en La Maestranza. Sin embargo, la muerte sorprendió al cantaor cuando, tras acudir al Hospital Germans Trias i Pujol de Badalona, la grave afección pulmonar que padecía pudo con él. Camarón fue un fumador empedernido, y aunque había abandonado la cocaína y la heroína hacía cuatro años, no pudo contener su impulso de fumar hasta sesenta cigarrillos diarios, lo que fue, sin lugar a dudas, el principal causante de su temprana muerte, ocurrida el 2 de julio de ese 1992. Su sepelio fue multitudinario; se calcula que cincuenta mil personas se dieron cita en el cementerio de su ciudad natal, donde sus restos fueron enterrados en un mausoleo. El artista estaba casado con quien fuera su compañera de toda la vida, Dolores Montoya, conocida con el cariñoso apelativo de "Chispa", con quien tuvo cuatro hijos, Luis, Gema, Rocío y José "Joseíyo".
Después de su fallecimiento, han salido a la venta numerosos álbumes de Camarón, siendo los más interesantes: El principio de una leyenda (1992) de la colección "Archivo de Flamenco", una grabación en directo del año 1971 en la que es acompañado por El Turronero y la guitarra de Antonio Arenas; Cada vez que nos miramos (1993), Nochebuena gitana (1994), Camarón nuestro (1994) un doble CD con grabaciones inéditas en directo acompañado por la guitarra de Tomatito; Antología (1996) un triple CD; Flamenco vivo (1997), Como el agua (1997), Por bulerías (1999), París 1987 (1999), Por fandangos personales (2000), Por bulerías V (2000), Camarón por descubrir (2000), Antología inédita (2001), Una leyenda flamenca (2002), un doble CD con una selección de temas entre 1969 y 1992; Por Camarón (2002), el homenaje que artistas españoles como Estopa, Rosario, Niña Pastori, José el Francés, Raimundo Amador o Remedios Amaya ofrecen a Camarón cantándole sus canciones; La generación de Camarón, un recopilatorio que además de a Camarón incluye a otros artistas como José Mercé, Vicente Soto "Sordera", José el de la Tomasa, Curro Malena o Manolo Sanlúcar; Alma y corazón flamencos (2004), un estuche que contiene 3 CD's con 33 canciones remezcladas y remasterizadas; Venta de Vargas (2005), Reencuentro (2008), que contiene un CD+DVD; Sus 50 mejores canciones (2009) en tres CD's y San Juan Evangelista'92 (2010), la grabación en directo de su último concierto, antes de su muerte.
Lole y Manuel es un dúo español de nuevo flamenco formado el año 1972 en Sevilla e integrado por Dolores Montoya Rodríguez "Lole" (nacida el año 1954 en Sevilla, voz) y Manuel Molina Jiménez (nacido el año 1948 en Ceuta, voz y guitarra).
El flamenco es el estilo musical español más conocido en el mundo entero y, sin temor a equivocarse, se puede afirmar que es uno de los símbolos más reconocibles y reconocidos de este país. Como suele ocurrir en cualquier tipo de música, tiene en su país de origen a sus más férreos defensores del llamado purismo, y que ven con malos ojos cualquier intento de innovación o renovación del estilo. Sus luces rojas se encendieron a mediados de los 70 por culpa de la irrupción de este dúo que dio un aire fresco y de renovación al estilo, siendo precursores del llamado "nuevo flamenco".
Las causas de este cambio son las mismas que las de cualquier músico, en las influencias recibidas durante la juventud. "Está claro que yo no toco la guitarra como lo hace mi padre, ni Lole canta como lo hace su madre. Nuestros padres no oyeron a Janis Joplin ni a Jimi Hendrix, tampoco escucharon la música de los Beatles. Nuestro cambio está, sobre todo, en el ritmo... hemos renovado nuestra propia música, hemos intentado descubrirnos a nosotros mismos" (Manuel Molina).
Otras de las cosas que se les echó en cara era que sus letras no hablaban de la realidad social del país, cosa que sí sucedía con otros cantaores que se hicieron más o menos populares a mediados de los años 70; sus textos eran poemas escritos por José Manuel Flores que hablaban sobre la naturaleza y el amor. "Nosotros queremos hacer ver que el flamenco, que no el "typical spanish", presenta no solo la cara triste, sino la viva; las flores, el sol y todos aquellos factores vitales tan importantes para comprender la esencia del pueblo andaluz. No olvidamos, eso sí, en ningún momento lo negativo, el puteo al cual ha sido sometido el pueblo gitano por parte de la cultura oficial. Pero esto lo tenemos tan presente, que a veces no queremos ni acordarnos de ello" (Manuel Molina).
Tanto Manuel Molina como Dolores Montoya son miembros de familias de estirpe artística; en el caso de Manuel, es hijo de Manuel Molina Acosta, más conocido como "El Encajero", y Lole es hija de la cantaora y bailaora Antonia Rodríguez Moreno, "La Negra" y del bailaor Juan Montoya. Gracias a esto, ya antes de conocerse, habían hecho sus pinitos musicales y cuando formaron pareja tenían bastantes tablas sobre el escenario. Manuel, ceutí de nacimiento y criado en Sevilla, empezó desde niño a conocer el mundo artístico formando parte de "Los Gitanillos del Tardón", en el que coincidió con José Antonio Pantoja "Chiquetete" y Manolo Domínguez "El Rubio". Más tarde paso a ser guitarrista hasta que su estancia en la mili le cambió la vida; no por aprender a desfilar, sino porque Ricardo Pachón le ofreció sacarle de allí si se unía a Smash, allí cambió el modo de concebir la música. Mientras que, desde pequeña, Lole -sevillana ella y criada en el barrio de Triana- también se decidió por este mundo y se preparó en la academia del maestro Enrique Jiménez "El Cojo" para posteriormente ejercer de bailaora en los mejores tablaos flamencos del país.
Ya como dúo empezaron a tocar juntos en 1973 hasta que Ricardo Pachón, al que Manuel conocía de su periplo por Smash, les ofreció grabar una maqueta. Con ella Ricardo Pachón se patea diferentes sellos: Basf, Phillips, EMI, RCA... En todos encuentra la misma respuesta, ninguno ve futuro a la pareja, hasta que apareció Gonzalo García-Pelayo que se ofrece para grabarlo. Para su debut discográfico Lole y Manuel viajan hasta Madrid, la grabación dura tres días bajo supervisión de Ricardo Pachón, pero el último día aparece Gonzalo con el contrato donde aparece solo él como productor. Esto no gusta a la pareja que se niega a firmarlo y tras acabar la grabación están en la capital sin un duro y con una copia del master.
A pesar de no tener nada firmado Gonzalo García-Pelayo lanza el disco bajo el sello Movieplay, sin ningún tipo de campaña publicitaria, ni presentación, ni promoción. Poco a poco el álbum Nuevo día (Movieplay, 1975) empieza a funcionar, primero unas pocas buenas críticas de la prensa especializada y después el boca a boca va haciendo la bola cada vez más grande y al final el disco se convierte en un gran éxito. Para no acabar en los tribunales tanto el sello como el dúo llegan a un acuerdo para darles la carta de libertad, para entonces Tomás Muñoz del sello CBS les ofrece un contrato para el que graban sus próximos discos.
El primero de ellos, el álbum Pasaje del agua (CBS, 1976), se graba al año siguiente, donde continúan el camino andado con su anterior disco, siguiendo por la vía de la experimentación, jugando con los ritmos árabes y decantándose por los palos que les eran más habituales: los tangos, las alegrías y, sobre todo, las bulerías. Sin respiro alguno graban lo que sería su tercer álbum, el homónimo Lole y Manuel (CBS, 1977) tras el cual la pareja decide tomarse un descanso ya que el ritmo de trabajo de los últimos había sido frenético.
Después de tres años de parón, en parte por el embarazo de Lole, deciden volver al estudio de grabación pero esta vez sin Ricardo Pachón, que había sido el productor de sus tres primeros lanzamientos, de esas sesiones saldrá su cuarto álbum, Al alba con alegría (CBS, 1980) en homenaje precisamente a su hija, Alba Molina, futura componente de Las Niñas. Para su último álbum para el sello CBS deciden ponerse en manos de un viejo amigo, Gualberto García, que había sido compañero de Manuel en el grupo Smash. Gualberto ejerce de productor y arreglista convirtiendo a Casta (CBS, 1984) en el disco orquestal de Lole y Manuel. En este mismo año se publica el álbum recopilatorio de sus éxitos Grandes éxitos (1984). Poco tiempo después la pareja decide poner fin a su relación, tanto artística como personal.
Sin embargo, lo que parecía un punto final tuvo un epílogo, en los años 90 graban con la orquesta sinfónica de Londres Lole y Manuel cantan a Manuel de Falla (Pasión/Área Creativa, 1992), que generó mucha expectación pero que no llegó a cubrir del todo; visto el revuelo que se levantó con su supuesta vuelta, la discográfica Virgin les ofrece un contrato convirtiendo a Lole y Manuel en los primeros artistas flamencos en una multinacional. Pero esto no les hace variar el rumbo tomado antes de su ruptura, ni supeditarse a ciertas exigencias.
Graban el álbum Alba Molina (Virgin, 1994) con Antonio Rodríguez -ex-componente de Smash- a la producción, siendo el último disco con material inédito del dúo, al que posteriormente le acompañaron el álbum recopilatorio Lo mejor de Lole y Manuel: Nuevo Día (1994) y el álbum en directo desde el Teatro Monumental de Madrid Una voz y una guitarra (Virgin,1995). Actualmente sus carreras discurren por separado, pero eso no es óbice para que puntualmente colaboren juntos en alguna grabación como en el disco de Lole Montoya "Ni el oro ni la plata" (Sum, 2004), en la que Manuel le escribió algunos temas e incluso llegan a tocar juntos. El 19 de mayo de 2015 falleció Manuel Molina Jiménez a los 67 años de edad, víctima de un cáncer terminal, en su domicilio de San Juan de Aznalfarache (Sevilla). Fuente: lafonoteca.net Fotografía: lastfm.es Carátulas discos: lastfm.es/discogs.com/todocoleccion.net
