Francisco Javier Labandón Pérez, conocido artísticamente como El Arrebato, nació el 1 de septiembre de 1969 en Sevilla. Cantautor español de flamenco pop.
Comenzó a cantar de adolescente temas de Camarón de la Isla o de Los Chichos para ganarse la vida. “Arrebato”, es el apodo familiar con el que su abuela le reñía cuando vivían en el sevillano barrio de Los Pajaritos. Sobre 1985 inició su carrera artística y su carrera discográfica en 1988, sacando su primer disco con el grupo de rumba "Piel Morena". Con ellos cosechó sus primeros éxitos hasta el otoño de de 1998, cuando "Piel Morena" se disolvió definitivamente tras varios cambios en la formación. El Arrebato mandó una maqueta a Dioni uno de los integrantes de Camela, éste la remitió a su discográfica, EMI, y así fue como en el verano del 2001 El Arrebato, en solitario, sacó al mercado su primer trabajo el álbum Poquito a poco,con el que vendió más de 70.000 copias y recorrió España promocionando el disco con más de 50 conciertos.
Casi dos años después, entre marzo y abril del 2003, realiza la grabación de su segundo álbum Una noche con arte. Con este disco supera al primero vendiendo más de 90.000 copias y realizando más de 100 conciertos. Su tercer álbum Que salga el sol por donde quiera se publica el 30 de agosto de 2004. El propio Javier Labandón produjo, por primera vez, seis de los 11 temas del disco y del resto se encargó José Ramón Flórez. El primer single fue Búscate un hombre que te quiera. Con este álbum consigue consolidarse como artista en el mundo de la música. En noviembre de 2004, Camela reedita el álbum “10 de corazón” incluyendo el tema inédito “Mi gente”, a dúo con El Arrebato.
A principios de 2005, El Arrebato es elegido para realizar la melodía oficial de los actos conmemorativos del centenario del Sevilla F.C. que se celebra el 1 de julio de ese año en el estadio Ramón Sánchez Pizjuán, grabando el single titulado Himno Oficial del Centenario. El 27 de abril de 2005, recibe el doble Disco de Platino por Que salga el sol por donde quiera (250.000 copias vendidas). Además, recibirá otro Disco de Platino por Una noche con arte (100.000 copias vendidas). Durante el acto de entrega, el cantante anuncia una gira de más de 150 conciertos por toda España. En 2004 la gira había sido de 80 actuaciones.
En noviembre del 2005 recoge sus mejores temas en el álbum Grandes éxitos una recopilación de los mejores temas de sus tres álbumes editados hasta el momento. El álbum incluye el tema inédito, editado como primer single No puedo másy las colaboraciones “Qué de personaje” con Haze, Una noche con arte con Papá Levante y “Me gusta lo que soy” con Los Delinqüentes. En Enero de 2006, Grandes éxitos alcanza el Doble Platino tras vender 160.000 ejemplares. Durante su gira de verano, se compromete con la "Fundación Intervida", organización con la que colabora desde 1998. Durante las actuaciones dedica una parte de su espectáculo a dar a conocer la labor de la organización y pide al público que colabore con la Fundación.
En septiembre de 2006 publica su nuevo álbum Un cuartito pa mis cosas. Incluye la colaboración de Antonio Vega en el tema "Hoy me dio por ser honesto". El 6 de mayo de 2008 salió a la venta su quinto álbum de estudio Mundología, que muestra el fiel reflejo del artista: su manera de sentir, de ver el mundo, de acercarse a la gente, de trabajar con los suyos. Cuenta con la única colaboración especial de Raimundo Amador en “Quiero verte”. Dame cariño, el primer single, es un tema pop con aromas sureños, sonidos acústicos y eléctricos. El 13 de mayo, El Arrebato participó en el homenaje al futbolista Antonio Puerta fallecido el 28 de agosto de 2007 a los 22 años tras sufrir un paro cardíaco.
El acto tuvo lugar en el estadio Sánchez Pizjuán en Sevilla. El 12 de junio El Arrebato recibió el Disco de Oro de manos del diestro Fran Rivera, dentro de la fiesta de presentación de su nuevo disco Mundología. El segundo single de Mundología fue “Mirando pa´ ti”. El 18 de noviembre salió a la venta el álbum “Hasta aquí hemos llegado” de Los Chichos, con la colaboración de muchos artistas. Entre ellos, El Arrebato en la canción “Quiéreme con alegría”.
En septiembre de 2010, ve la luz Lo que el viento me dejó. Tanto el título como la portada tienen connotaciones evidentes con la mítica película. El álbum entró directo al nº 1 en la lista de los más vendidos, el primero que el artista sevillano consigue en su carrera. Su carta de presentación es el tema No lo entiendo. Le siguen Durmiendo en tu ombligo (dueto con la malagueña Vanesa Martín), Lady luna y “Te vas a equivocar”. En 2011 es distinguido con el Premio Dial. En sus diez años de carrera, los discos de El Arrebato superan el millón de copias.
El 2 de octubre de 2012 sale Campamento Labandón, séptimo álbum de estudio del sevillano. Es su disco más versátil en cuanto a estilos. Mezcla de rumba, pop y rock, ha evolucionado y regresa a sus raíces más rockeras: “he dado otro pasito, he investigado, he sido un poquito osado porque creo que son momentos para eso, para moverte y ser valiente". La balada Aquí me tienes es el primer single y el rockero “Bien sabe Dios” el segundo. Posteriormente, El Arrebato inició la gira de promoción de este álbum recorriendo toda España. Por el momento, sus últimos álbumes publicados han sido: La música de mis tacones (2014), Músico de guardia (2017) y Abrazos (2019).
Fernanda Jiménez Peña, conocida artísticamente como Fernanda de Utrera, nació el 9 de febrero de 1923 en Utrera (Sevilla). Cantaora gitana.
Hija de José el de Aurora y la chacha Inés, nieta del cantaor de flamenco Fernando Peña Soto "Pinini" y hermana inseparable de la también cantaora Bernarda de Utrera. Muchos la consideran junto a Mercedes Fernández Vargas "La Serneta" (1840-1912) como la mejor cantaora por soleares de todos los tiempos. Desde muy joven destacó en fiestas y reuniones íntimas, actuando esporádicamente en algunos festejos cara al público, hasta que en 1955 actúa, junto a su hermana, como habitualmente lo ha seguido haciendo, en los festivales de Sevilla. En 1957, es contratada para actuar en el elenco del "Tablao Zambra" de Madrid, de donde pasa a "El Corral de la Morería".
Obtuvo el premio de soleares y bulerías en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba, en 1957. Inauguró el tablao madrileño de "Las Brujas", en 1962, permaneciendo en él durante dos años consecutivos. Viaja a Nueva York, para cantar en el Pabellón Español de la Feria Mundial. Seguidamente recorre Europa y otros países de África, con el espectáculo de Manuela Vargas. De nuevo con el cuadro del "Tablao Zambra", participa en actos de intercambio cultural, actuando en Túnez. Durante 1967 forma parte del "Tablao Villa Rosa", volviendo a "Zambra" al año siguiente, alternando sus actuaciones en los festivales andaluces, de los que en esos años es una primera figura.
Entre sus últimas actuaciones destacan las ofrecidas en la Cumbre Flamenca de Madrid y su intervención en el Teatro Español, en el homenaje a Federico García Lorca. Otros galardones de Fernanda de Utrera son los siguientes: Premio del Concurso de Mairena del Alcor, en 1966, y Premio Nacional de Cante de la Cátedra de Flamencología, en 1967, compartido con su hermana, con quien también compartió un homenaje en su tierra natal, en 1968, donde le fue dedicado el festival XII Potaje Gitano, con la intervención de los artistas locales y grandes figuras del arte flamenco. En 1986, obtuvo un gran éxito en Nueva York, formando parte del espectáculo "Flamenco puro", junto a El Farruco, El Chocolate, Manuela Carrasco, Juan y Pepe Habichuela, Adela La Chaqueta y otros destacados intérpretes, siendo felicitada por la reina de España, que asistió a una de las representaciones. Fernanda de Utrera es algo más que una buena cantaora. Fernanda es el cante hecho realidad de pura esencia gitana, de la pasión gitana hecha cante. Grabó en disco para dejar constancia de su buen arte y falleció, tras una larga enfermedad y a los 83 años de edad, el 24 de agosto de 2006.
Grupo español de rumba flamenca formado el año 1995 en Madrid y disuelto en 2009 e integrado por Lichis [Miguel Ángel Hernando] (voz, bajo, guitarra), Pedro Reguillo (bajo), Julián Kanevsky (guitarra) y Carlos Hidalgo (batería, percusión).
Tras la disolución del grupo "Maleza", Miguel Ángel Hernando, el Lichis, comienza a labrar la formación de un grupo con un sonido muy definido, un sonido que rompa con todo lo anterior partiendo de una mezcla de estilos y sonidos. Son tiempos en los que la etiqueta "mestizaje" no se aplica a la música pero, como se puede ver, ya hay grupos que trabajan en ese sentido. La Cabra Mecánica, es en realidad un proyecto personal de Lichis, en el que sus colegas van entrando y saliendo de la banda, variándose la formación de la misma a lo largo de los conciertos que van ofreciendo entre 1993 y 1997. Son precisamente esas actuaciones en todo tipo de garitos las que les sirven para ganar fieles adeptos y para empezar a despertar la curiosidad de las discográficas. Su primer álbum, producido por Cataldo Torelli, se convierte rápidamente en un gran éxito entre la crítica especializada (para muchos son el grupo revelación del año) y unas ventas relativamente buenas para un grupo novel (25.000 discos). La compañía se involucra bastante en la promoción y el single Reina de la mantequilla se escucha en muchas emisoras y es, además, incluido en recopilatorios como el "Duca 2 Music". Lo que más sorprende es la mala leche que emanan unas letras cargadas de intención mezcladas magistralmente con un disco multicolor a nivel de melodías y aún más rico a nivel de estilos y palos tocados. Queda claro que los que están detrás de este proyecto no son nuevos en el negocio y que no van a ser flor de un día. Las doce canciones de Cuando me suenan las tripas (1997) se constituyen en el libro de estilo del grupo adelantando lo que será la auténtica marca de la casa de La Cabra Mecánica (más allá del mestizaje, un sonido rico y ecléctico con unas letras con vocación de no dejar indiferente a nadie que las escuche) que irá desarrollándose a lo largo de los siguientes discos.
A mediados de 1999 aparece el segundo álbum que recibe el nombre de Cabrón, producido por Juanjo Melero. Tras el relativo éxito de ventas de su primer disco la compañía les da carta blanca para hacer lo que les apetezca y de esa libertad nace uno de los mejores discos españoles de la década cuyas ínfimas ventas (apenas 2.700 discos) hacen que Lichis incluso se plantee abandonar. La escasa promoción (Sobre cañones y moscas, primer single, apenas aguanta una semana en la radio) y la mala suerte se ceba con el álbum. Incidiendo en la mordacidad y en la ironía en las letras, esta vez sus mezclas de estilos musicales van mucho más allá y traspasan fronteras que, en aquel momento, parecen inaccesibles para un grupo de rock español. Mezclan sin pudor todo tipo de ritmos, todo tipo de referencias, todo tipo de estilos, pero con el denominador del buen gusto por bandera.
Vestidos de domingo es el tercer álbum de La Cabra Mecánica. Producido por Alejo Stivel este disco invierte la cadena de mala suerte que envolvió al anterior disco pues, de buenas a primeras, el primer single, La lista de la compra, con la imprescindible colaboración de María Jiménez, se convierte casi en la canción del verano del 2001 y lanza al estrellato masivo al grupo. Más allá de la discusión de si es un disco intencionadamente más comercial lo que está claro es que la marca de la producción de Alejo Stivel les sirve para abrir muchas puertas (especialmente de cara a los medios de comunicación, algunos de los cuales habían vetado sus anteriores trabajos). Por primera vez entran en unas listas de ventas y empiezan una extensa gira que se alargó durante el invierno de 2001 y el verano de 2002.
En 2003, se edita un directo, Ni jaulas ni peceras, con el tema No me llames iluso, y hay que esperar hasta 2005 para un nuevo álbum de estudio Hotel Lichis, cuyo proceso de creación ha sido, quizá el más duro. Quizá, también, el que siempre ha estado más claro en la cabeza de su artífice. A la semana siguiente de grabar Ni jaulas ni peceras ya le contaba a quien le quisiese escuchar, que el siguiente sería un disco fresco, directo, accesible, desnudo... Para alcanzar ese sonido, Lichis tuvo que trabajar duro: componer, arreglar, tocar... Un verdadero "tour de force", un arduo trabajo para el que ha encontrado la mano cómplice de Dani Alcover, coproductor del disco a medias con el propio Lichis, con el que ya había trabajado en otros proyectos (El Combo Linga, Outro Jazz).
Hotel Lichis también se reveló como un punto de inflexión en la relación de Lichis con la industria musical, decidiendo entonces comenzar a pulir el actual proyecto de "FelicidadProducciones": crear una plataforma de gestión integral con base en "El Estudio", alternando los directos de La Cabra con las producciones en su estudio (entre otros, Troublemakers Blues Review -su proyecto de Blues-, Daniel Higiénico y Fulanos & La Mengana Band).
De vuelta a Madrid, con el álbum Carne de canción (2009) Lichis decide poner fin a 15 años de carrera con La Cabra Mecánica. El germen de este último trabajo discográfico surgió un par de años antes con la grabación de un CD doble de grandes éxitos que pretendía ser billete a Latinoamérica, pero que finalmente no vio la luz. Pasado el tiempo, y teniendo presente la constante necesidad de reinvención, Carne de canción cobra más significado en este momento, revelándose como la reunión de un puñado de canciones a las que se les ha dado una vuelta más de tuerca. Junto a 3 temas nuevos ("Carne de Canción", "Yayo Yaya" y "Valientes" - su sencillo de presentación-) y varias versiones inéditas tomadas de directos y maquetas (como la maqueta original de La lista de la compra), Lichis redibuja sus composiciones más coreadas y las más significativas para él despojándose de etiquetas, bajo el influjo del blues, de la copla, del folk y de todos los estilos que alguna vez formaran parte del bagaje ambulante de La Cabra Mecánica. DISCOGRAFÍA seleccionada,
Juan Bautista Varea Segura, conocido artísticamente como Juan Varea, nació en Burriana (Castellón) el 26 de abril de 1908 y falleció en Madrid el 8 de noviembre de 1985. Cantaor de flamenco.
Siendo todavía un niño se trasladó a Barcelona debido a que su padre se dedicaba a trabajos de transporte tirado por animales y también era tratante por lo que se relacionaba mucho con los gitanos del Somorrostro barcelonés. Este era el ambiente en el que se desenvolvía el infante Juanito, prohibido para los niños payos. Aquello fue determinante no para despertar su afición a cantar pues según familiares y amigos de Burriana de avanzada edad cuentan que el padre era un tipo muy "sui generis" y buen aficionado que cantaba con cierta gracia, pero sí para empujarle a la profesionalidad, pues fue determinante para su famoso encuentro con Angelillo en la taberna que regentaba Miguel Borrull, donde su guitarra siempre estaba dispuesta para acompañar a quienes supieran cantar. Así que fue en Barcelona donde se inició como artista, en el local de Miguel Borrull hijo, donde Juan cantaba empujado por sus amigos y donde, por casualidad lo escuchó Angelillo incorporándolo a la "troupe" que actuaba en el circo Barcelonés formando parte de la compañía que encabezaba Manuel Vallejo. Aquellas relaciones de pandillas juveniles produjeron amistades que durarían toda la vida como la de Manolo Caracol (ambos se ayudaron en multitud de ocasiones) o la de Pepe Chalmeta (que incluso le salvó el pescuezo).
Después pasó a Madrid donde tuvo la oportunidad de escuchar a Don Antonio Chacón, participando en las fiestas del colmao Villa Rosa. A continuación retorna a Barcelona con otras troupes. De ahí se marcha a Sevilla, donde gracias a Manolo Caracol canta en la Alameda de Hércules sevillana. En 1928 vuelve de nuevo a la compañía de Manuel Vallejo debutando en Madrid en el Teatro Pavón junto a destacadas figuras, realizando giras por todo el país. Juan sentía devoción por Vallejo, pero entre los jóvenes, Juan era el cantaor predilecto de Vallejo, su cantaor de confianza. Para un sector importante de los aficionados de la época Varea estaba considerado Vallejo II, y no precisamente en tono peyorativo. En los años siguientes forma parte del elenco de Pepe Marchena, grabando su primer disco en 1930 (tenía 21 años), en lo que fue considerado como un curioso experimento, pues Varea, Pepe Marchena y Juan el Pescaero, cantaban fandanguillos a tres voces, acompañados a la guitarra por Ramón Montoya.
En ese mismo año grabó al menos otras cuatro placas con Ramón Montoya en la casa La Voz de su Amo. También grabó, igualmente antes de la guerra, varias placas con Miguel Borrull, aunque no podemos precisar cuántas ya que ni siquiera los coleccionistas consultados tienen ni conocen las referencias. Señalemos, también, que en el año 1932 conquistó el primer premio en un prestigioso concurso celebrado en el Teatro Monumental de la capital. En esas estábamos, cuando llegó 1936. Juan Varea no era hombre de meterse en políticas y no se había decantado por ninguna tendencia y, mientras muchos andaban a la greña, él estaba enfrascado en sus cantes y en sacar para comer cada día. El 18 de julio lo pilló en el lado republicano y le tocó luchar en El Escorial, en el frente de Los Leones. Al final de la contienda, cuando estaba pensando si no sería mejor volver a casa, fue detenido y llevado preso a las Navas del Marqués (Ávila), siendo trasladado posteriormente a un campo de concentración en Zamora. Fue entonces cuando uno de sus amigos del alma, el novillero Pepe Chalmeta junto a Félix Almagro, otro torero, consiguieron a través de un oficial del ejército vencedor y amigo del torero su puesta en libertad. Justo días antes de que empezaran los juicios y fusilamientos masivos. Una vez en la calle de nuevo, sobrevivió en fiestas íntimas, hasta el año 1942 en que se incorporó al espectáculo de Concha Piquer.
Tras la guerra, grabó un buen número de placas en "Regal" y "Columbia", con las guitarras de Manolo de Badajoz, Niño Ricardo, Paco Aguilera y Perico del Lunar (padre); placas que fueron reeditadas cuando llegó el maravilloso vinilo. De todas formas no sabemos cuántas pues no hemos encontrado a nadie que ofrezca datos precisos y fidedignos. Tras la llegada del microsurco, grabó una discografía si no muy extensa, sí lo suficientemente amplia como para dejar constancia de su gran calidad interpretativa, demostrando ser un cantaor dominador prácticamente de todos los palos y estilos. En 1945 formó parte de otro espectáculo junto a Pepe Marchena, Vallejo, Canalejas de Puerto Real, Pepe Aznalcóllar y los guitarristas Ramón Montoya y Niño Ricardo, realizando galas por todo el país. Juan no parecía tener mucha prisa en encontrar su media naranja, pero entre los numerosos artistas de esas "troupes" viajaban una familia de gitanos granaínos de apellido Amaya. Y entre ellas una mocita de 22 primaveras que cautivó a Juanito que ya andaba por los 38. Se llamaba Carmen. El padre de la novia, amigo de Varea y sólo cinco años mayor que Juan, consintió en concederle la mano de su hija, porque el de Burriana era serio y honesto. La gitanería granadina lo aceptó muy bien y se casaron el 17 de diciembre de 1946, con una gran fiesta por medio, en el Camino del Monte, al lado del río Darro y con la Alhambra encima.
Para Juan Varea fue la culminación, porque a la felicidad personal se le añadía la profesional ya que su época más brillante como artista fue en las décadas entre 1940 y 1970. A su éxito y fama contribuyó una idea que puso en boga su amigo Caracol y que nadie -aparte del propio genio de Sevilla- logró perfeccionar como él: las zambras. Nos dejó grabadas dos espléndidas versiones de "La niña de fuego", con Perico del Lunar y Manolo de Badajoz) y otras brillantísimas coplas como "Fatiguitas he pasao", "Cuando empezaba a querer", "Rosario", "Mi Córdoba platera", "Punta de Europa", "Dame de beber serrana",... También fue importantísima la repercusión de sus creaciones por fandangos y malagueñas, teniendo en cuenta que esos años eran el apogeo de la llamada Ópera flamenca, con una competencia feroz tanto por la cantidad como por la calidad de los cantaores en liza. Pero no hay que olvidar que, como ya se ha apuntado, Varea fue un gran dominador de todos los estilos, destacando su gran maestría en los cantes de Levante, soleares, seguiriyas, malagueñas, alegrías o sus originales y bellas coplas por bulerías. Muchas de las letras que cantó Varea -por cierto en general preciosas- nunca han sido grabadas - ni antes ni después que él- por otros cantaores. Este hecho es muy raro en el flamenco donde las coplas se repiten hasta la saciedad. Una anécdota muy significativa es que en un cartel de esa época anunciador de un espectáculo celebrado en Granada, se leía: "Único cantaor no andaluz que interpreta todos los palos". Es decir, un cantaor completo, enciclopédico. Tenía el gusto tan colmao que incluso en algún momento, 1950 concretamente, llegó a tener compañía propia o "a medias" con Canalejas de Puerto Real. No obstante, su fama y sus mayores éxitos los obtuvo en el tablao Zambra de Madrid donde permaneció durante dos décadas como figura principal. Con ese mismo cuadro flamenco actuó en la feria mundial de Nueva York y en el teatro Olimpia de París. Así como en los Festivales internacionales de Sevilla y Granada. A su vuelta siguió actuando en el tablao Zambra hasta su cierre en el año 1975.
El resto de su vida artística la dedicó a festivales y algunos programas de televisión. Cuando ya llevaba varios años prácticamente retirado del cante, la Cátedra de Flamencología de Jerez de la Frontera, a propuesta de Manuel Ríos Ruiz, como miembro del jurado, le fue otorgado en 1983 el Premio Nacional a la Maestría. Y el siguiente año, 1984, recibe un muy sentido homenaje del mundo del flamenco, ya en precario estado de salud. Fue en el Teatro Monumental de Madrid, el mismo escenario en que ganó el premio en 1932, con la presencia del alcalde Enrique Tierno Galván el cual pronunció unas palabras de elogio sobre su persona y sobre su vida artística. El 24 de julio de 1985, en el antiguo mercado de La Unión, Juan Varea cantó junto a Juan Carmona “Habichuela” la que sería postrera actuación de su vida, sus últimos cantes: su malagueña personal, una de Chacón y otra de Juan Breva al modo de Yerbabuena, una soleá de Alcalá y dos del Mellizo, tres fandangos distintos de propia cosecha, una Taranta de Linares y la Cartagenera grande de Chacón, una seguiriya del Marrurro y otra del Loco Mateo. Este recital fue grabado por TVE, emitiéndose parte de él. Se marchitó definitivamente el 8 de noviembre de 1985 en la ciudad que le acogió y adoptó; donde triunfó y se le quiso: Madrid, dejándonos su genuino estilo y su voz en las grabaciones para el recuerdo y disfrute de todos los aficionados a este arte. Como homenaje póstumo, en su ciudad natal le fue concedido el título honorífico de Hijo Predilecto.
